Todo sobre mi madre
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Una campaña publicitaria con mucha presencia en la Ciudad de México, anuncia la puesta en escena Todo sobre mi madre que se presenta en el Teatro Insurgentes, y claro, sí se trata del trabajo que dio vida a la película del mismo nombre, pero por ahora, dejemos en su sitio a la cinta y distingamos lo que la puesta teatral tiene por ofrecer.

Excepcionalmente, Samuel Adamson adapta el trabajo fílmico del también excepcional Pedro Almodóvar y lo lleva a los códigos de la representación, y es Francisco Franco el responsable del trabajo de dirección de la versión presentada en nuestro país. Franco, quien ya denota mucho oficio en su trayectoria como director escénico e incluso afina un estilo que poco le falta para su consolidación, guía a un elenco que bien nos entrega a un tornado emocional que asota de la risa a la fatalidad, revelando una lucha de interpretaciones entre sus protagonista que resulta en una devastación de ánimos, lo mínimo que exige este drama.

Las complicaciones de la historia se establecen cuando un adolescente muere atropellado al ir en búsqueda del autógrafo de su actriz favorita, Manuela, la madre del chico, tras el terrible acontecimiento se enfila hacia un reencuentro físico con su pasado intentando encontrar al padre se su hijo en un camino que regala una trama basta, intensa, tan ácida como la vida, porque ahí, en el teatro y en esta puesta, nos encontramos con el recurso del espejo, un hábil pretexto que incluye al teatro dentro del teatro como un sutil juego que confunde al espectador y lo cambia de realidad, a una realidad penetrante, densa y provocativa.

Por supuesto, el impacto de esta puesta mucho debe su reconocimiento al trabajo de producción, particularmente a lo que realiza en ella Jorge Ballina y su destacable labor como escenográfo, construyendo los ambientes adecuados, dinámicos y de gran estética que erigen el marco perfecto para vestir los diálogos y acciones que ahí se muestran.

No lo sé de cierto, pero algo se habla de que serán pocas las funciones que albergue el recinto de insurgentes esta obra, sin embargo, lo que sí sé con seguridad es todo lo que esta historia tiene por provocar en cualquier asistente que cuente con el mínimo de sensibilidad, ya con esto, al menos por curiosidad vale buscarla.



Texto por Carlos Alberto Ruiz
Imagen por Toni Francois

www.todosobremimadremexico.com

Todos eran mis hijos

Dentro de una cartelera que pareciera de a poco ir despertando del letargo, aparece por estos días dentro de la propuesta teatral de la ciudad de México, Todos eran mis hijos (All my sons), de la autoria del extraordinario dramaturgo norteamericano Arthur Miller, misma pluma que se encuentra detrás de otros éxitos del teatro mundial como El arzobispo y Después de la caída, y que esta ocasión construye una tragedia capaz de cortar la moral, a través de una fina incisión con la cual logra destazarla por completo.

Lo que ofrece este drama, bajo la dirección de Francisco Franco, es una historia donde el amor abre caminos al tiempo que los destruye a gran velocidad en un paso que rescata heridas del pasado que sangrarán de nuevo para lograr su cicatriz. Todo parece encajar en una trama inteligente y elaborada como resuelta ésta: en el marco de la segunda guerra mundial, un hombre intenta rescatar su respetabilidad tras haber sido acusado de vender un cargamento de piezas imperfectas que provocó la caída de veintiún aviones de guerra; paralelamente, al interior de su familia, su hijo menor, pretende contraer nupcias con la que fuera novia de su hermano , todo conjugando en un fárrago que provocará la felicidad e ira de cada uno de los personajes en escena, todo esto, cubierto por un pesado velo donde las dobles intenciones se tornarán más peligrosas que los campos minados.

Todos eran mis hijos, así se convierte en una obra que vale por sus interpretaciones penetrantes, logradas con base a su buen reparto, a la par que integra un espectáculo profundo, de propiedades sobresalientes, que sin mayores pretensiones alcanza una producción de calidad, logrando una adecuada iluminación, ambientación e incluso el juego de algunos efectos especiales que favorecen mucho la puesta, engrandeciendo la experiencia del asistente.

Bien parece que la compañía productora que tiene en sus manos este proyecto se apuntala como una referencia del teatro de calidad mexicano, y por lo que se puede suponer, de acuerdo al programa de mano, más espectáculos esperan en puerta, pero por el momento, que valga la paciencia y se aligere con toda la charla y reflexión que ofrece esta gran obra.


Por Carlos Alberto Ruiz

Fiesta de luz

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Durante el último invierno, el Gobierno de San Luís Potosí a través de su Secretaría de Turismo, entabló un proyecto de atractiva y novedosa belleza, que indiscutiblemente engrandeció las seductoras cualidades de este magnifico estado. La muestra, distinguida bajo el título de Fiesta de luz, se nutría principalmente de una banda sonora y un juego de imágenes proyectadas sobre tres edificios monumentales ubicados en el Centro histórico de San Luís, acto que diversificaba la presentación de la propuesta en tres distintas instalaciones.

La primera de ellas tenía lugar en el conjunto urbano Plaza Fundadores, en cuyos edificios se llevaba a cabo durante las noches la proyección de Fundatores, un juego visual con imágenes alusivas a la fundación de la ciudad, la revolución mexicana y la independencia de México, transformando así los muros de los edificios en pantallas de relieve que otorgaban texturas asombrosas a las luces y figuras que de forma precisa se adecuaban la las dimensiones de cada recinto, destacando aún más la asombrosa arquitectura de cada uno de ellos.

Más al norte, dentro de este perímetro, tenía lugar Golden Vegetal Cathedral, muestra ubicada en la catedral potosina, dividida temáticamente en dos partes, una conformada por paisajes naturales extraídos del jardín surrealista de Edward James, en una recreación de fauna y colores que bien parecían retar a la noche y su frío, para implantar por momentos una primavera calida y exuberante que de a poco recogía el ánimo de los espectadores; la segunda proyección de esta secuencia en la catedral, se conformaba de un ensamble de corte religioso, dotado de piezas de arte sacro insertadas en fondos de destacada textura, capacees de recrear tejidos de perspectivas infinitas.

El tercer sitio que formó parte de esta Fiesta de luz, fue el Templo del Carmen, que sirvió como fondo para dar vida a Carmen Light, una expansión icnográfica basada en retablos del templo y reminiscencias de la cultura Huichol, que en su proyección daba vida a una recreación por demás viva capaz de llenar de brillo cada uno de los detalles que nutren la fachada del templo, en un juego en el que se hacia imposible identificar que lo ahí plasmado eran tan sólo imágenes de efecto pasajero.

No recuerdo haber visto algún espectáculo de esta naturaleza, en el que la arquitectura fungiera como un gran lienzo a la espera de la luz que se conjugaba con sus colores e imágenes magnificas para dar vida a un arte de gran formato. Difícil concebir esta experiencia a través de fotografías, y más complicado aún tratar de compartirla a través de las palabras, cualquier imagen,, cualquier relato resulta pequeño para resaltar la apropiada dimensión de tal muestra, que más que un proyecto merece el nombre de acontecimiento.


Texto e imagen por Carlos Alberto Ruiz

Museo Federico Silva

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Las calles del centro histórico de San Luis Potosí, enmarcan el Museo Federico Silva, recinto que además de reconocer la obra y trayectoria del escultor mexicano se ostenta desde su apertura, en el 2003, como el primer museo de escultura contemporánea en México.

Como en principio resulta natural, el inmueble nutre su espacio con 39 piezas de pequeño, mediano y gran formato del artista que de manera permanente acogen a sus visitantes. Este antiguo recinto, que data del año 1907, concede una visión casi absoluta de la historia artística del maestro Silva, quien sin duda se reconoce como uno de los escultores más sobresalientes de nuestro país tras una trayectoria que se subraya por su franqueza y talento.

Formado de manera autodidacta, Federico Silva incursionó en el mundo del arte con tal competencia y aptitud que le permitió asistir incluso al muralista David Alfaro Siqueiros, a la par que estructura sus primeros proyectos individuales en la pistura y escultura a principios de la década de los cincuentas.

De esta manera, la historia creativa de más de medio siglo de producción del artista, compila de manera tajante una premisa del autor: “El entorno geográfico e histórico es parte del espacio al que pertenece la escultura”. Así se presenta Silva, congruente con su reflexión, nutriendo su obra de rasgos estéticos que importa del México prehispánico, integrando a sus piezas carácter, y porqué no, inclinaciones de las culturas azteca, maya y olmeca, que no a modo de imitación o paráfrasis porque se trata de algo auténtico. Silva encamina su estilo muy particular bajo el arropo de un legado y pasado innegables, en el que el artista y su obra proliferan en una amalgama de impacto y emociones que cobran cuerpo en materias como el concreto, piedra policromada o el fierro cromado.

Así, en el recorrido, obras como Puerta del paraíso o Mariposa del lago, aparecen y revelan miradas rígidas y movimientos lánguidos, y por ahí más adelante, de otras salas surgen otras piezas de pequeño formato que se ofrecen dinámicas y coloridas, distinguiendo de esta forma la dispersión de un artista, de un estilo tan diverso y único, tan irrepetible como constante, lo cual no resulta poco ambicioso, al contrario, atiende la expectativa y promete la posibilidad de saciarla en su sitio, el Museo Federico Silva, que comparte no únicamente la obra del maestro, sino también integra diversas muestras temporales relacionadas con la escultura contemporánea del mundo.


Texto e imagen* por Carlos Alberto Ruiz
*Mariposa del lago, 1986, piedra Xaltocan. Federico Silva.

Pompeya y una Villa Romana

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El Museo Nacional de Antropología e Historia, destacando su cualidad privilegiada de espacio para la historia del hombre y su aparato social, actualmente arropa una esplendida muestra conformada por 101 piezas que narran y comparten la opulenta cotidianidad de la aristocracia romana. Pompeya y una Villa Romana. Arte y cultura alrededor de la bahía de Nápoles, es el título que recibe esta exhibición que regala a sus asistentes la presencia de piezas y objetos que datan de los siglos 1 a.C. al 1 d.C, ofreciendo un deleite estupendo capaz de trastocar la memoria.

La colección, principalmente compuesta por ornamentos, esculturas, joyas y mobiliarios es el relato material de la opulencia y estilo de vida que se desplegaba a lo largo de la zona del Mediterráneo, sitio que ocupaban las villas de descanso de los emperadores romanos y que vería su fatídico declive tras la erupción del volcán Vesubio en el año 79 d.C.

Así, con su presencia, Pompeya y una Villa Romana, estructura una imagen muy total de las villas que acogió la bahía de Nápoles, espacios llenos de sofisticación y gran vanguardia dentro de su periodo, evolución que encuentra lógica en el juego de la abundancia de la nobleza romana que hacia traer artistas del mundo para saciar de ornamentos sus sitios de descanso, y de este modo apuntalarlos como centros de su ostentación. Y el resultado de esta práctica decorativa: piezas de una calidad eminente, sin exagerar, sublimes, llenas de precisión técnica; de las que destaco de manera muy personal, y repito de manera muy personal porque en este caso no valen evaluaciones, lo pictórico y escultórico, y lo destaco por el hecho de que aún en este momento, tan sólo de recordar las piezas no encuentro todavía espacio para el asombro del desarrollo y sensibilidad de los artistas que produjeron tan faustosas piezas.

Vale destacar que esta exposición forma parte del intercambio cultural entre Italia y México, y llegó a nuestro país en reciprocidad a la exposición Teotihuacan, ciudad de los dioses, que será presentada el próximo año en el Palacio de Exposiciones, en Roma; también es importante distinguir que Pompeya y una Villa Romana se integra dentro del ciclo Grandes Civilizaciones, mismo que también ha contemplado muestras como Zares, Maravillas de la Rusia Imperial y Persia: Fragmentos del Paraíso.

Finalmente, tras la presentación queda la invitación, en este caso hacia un territorio que ofrece asombro y capacidad de reto, y que aguardará el desafío hasta el 14 de febrero.


Por Carlos Alberto Ruiz

Antonio Ruiz, El Corcito.

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En el marco de su décimo quinto aniversario, el Museo Dolores Olmedo regala una encantadora muestra que reconoce al arquitecto, escenográfo y pintor mexicano, Antonio Ruiz, El Corcito. Bajo el nombre de ¿Por qué tan chiquito pintaba el corcito?, el museo de la noria exhibe más de doscientas piezas integradas por fotografías, misivas y las más representativas obras particularmente resueltas en pequeño formato, que destacan el natural sentido crítico que el artista mantuvo ante el muralismo.

Como subrayan las cédulas introductorias de cada una de las salas que conforman esta presentación, la propuesta temática de El corcito se nutre de una percepción nacionalista singular, consecuencia de la integración del artista en distintos ámbitos como el cinematográfico, teatral y académico, del cual se desprende su vínculo con escuelas de educación básica, y en cuyas imágenes puede apreciarse los distinto proyectos que dirigió el pintor involucrando a sus estudiantes en actividades multidisciplinarias, experiencias que sin duda marcaron la visión y percepción del artista, que en su obra no duda en reconocer la identidad nacional y sumar a sus lienzos vivos colores y escenarios contradictorios en donde cabe el reconocimiento de lo bello de su nación y la crítica acida hacia la desigualdad social.

En un contexto pictóricamente encabezado por el trabajo y discurso de Los Tres Grandes (Orozco, Rivera y Siqueiros), Antonio Ruiz fue capaz de hacer lo propio contribuyendo con una obra sólida y honesta de fondo que encontró prosperidad en el caballete y el pequeño formato, y que ahora, a cuarenta y cinco años de su fallecimiento topa con reconocimiento y una historia apropia dentro del marco de la pintura mexicana, resolviendo con delicadeza que la expresión se encuentra más allá de las dimensiones.

¿Por qué tan chiquito pintaba el corcito?, además de su atractivo contenido invita también al deleite que siempre ofrece el visitar la que fuera casa de de Doña Dolores Olmedo, un espacio privilegiado por su condición y naturaleza que celebra a México, su arte y cultura.

Lamentablemente, quedan pocos días para disfrutar de esta colección que abandonará este recinto el próximo 15 de noviembre, sin embargo, la invitación esta hecha y lo que brinda merece no ser ignorado.



Texto por Carlos Alberto Ruiz
Imagen: Desfile cívico escolar, 1936. Óleo y temple sobre tela. Antonio Ruiz

Palabras de tercer aniversario


Siempre me representa una gran emoción aparecerme por aquí y distinguir todo lo que se puede compartir a través de la palabra. A la par, la vida de este espacio que hoy celebra su tercer aniversario, me regala motivos y recuerdos que se revelan como espejos de un pasado muy inmediato que de vez en vez refresca con sus recuerdos. Así, en un laberinto de memorias se aparece el presente, en el que encuentro nuevas razones para compartir y regalar en cada entrada.

Debo confesar que últimamente lo que aquí se comenta forma parte de una serie de experiencias y vivencias compartidas, que en el diálogo y la discusión han encontrado sus distintos caminos formando un juego que nutre la percepción individual. En este sentido, la posibilidad de la compañía representa una oportunidad para la amplificación de la apreciación y la oportunidad de robar al otro emociones generadas a partir de su propia visión.

Supongo que esto ha hecho del compartir, la intención y sentimiento más trascendente del todo, no únicamente de este sitio que hoy llega a su tercer aniversario, sino del camino del todo lo que veo, todo lo que digo, todo lo que siento.

De tal modo, que sea un pretexto esta fecha para invitar a salir las emociones y compartir, compartir, compartir.

¡Salud! Y gracias por visitar este espacio.


Por Carlos Alberto Ruiz

Te pareces tanto a mí

“Una imagen congelada en el tiempo. El retratado permanecerá siempre de la misma edad, con la misma apariencia, reflejando hábitos, costumbres y modas.” Así abre el texto introductorio de Te pareces tanto a mí, muestra temporal presentada por el Museo del Estanquillo integrada por una serie de retratos que entregan cuenta de un registro icónico de la historia de la sociedad mexicana. Piezas, que más allá de su condición de retratos revelan secretos de un pasado y su contexto.

En su desarrollo, la exhibición reconoce también a la litografía, invitándola a dar detalle de aquellos que bajo las condiciones temporales jamás pudieron ser retratados, más pudieron integrar su imagen al acervo icnográfico de la memoria nacional. De este modo, la exhibición va cumpliendo su instrucción regalando los referentes gráficos de caudillos y demás personajes de la historia política de México, recordándolos bien en la fotografía, la caricatura e incluso en técnicas mixtas, como es el caso de Benito Juárez, que aparece en unas serie de piezas de la autoria del artista oaxaqueño Francisco Toledo, en las que la plástica ofrece su posibilidad de herramienta de registro histórico e interpretación social.

Y así como aparecen los de poderosos y los de los hombres de nuestra historia, también aparecen los retratos más reveladores, aquellos de los ciudadanos comunes del viejo México, que en una extensa serie abren la máquina del tiempo y saltando al pasado nos permiten distinguir expresiones y reconocer una serie de prácticas sociales en cada una de las imágenes, donde el retrato a los difuntos resulta la más reveladora.

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El juego de los fotobotones y las fotoesculturas anota una lista de habitaciones y prendas que sin duda los arroparon, integrando al valor emocional por el retratado, la posibilidad decorativa y práctica de su época; analogía valiosa y de un referente incluso conmovedor que buscando su homónimo en nuestro tiempo jamás lo hallaría en sitios electrónicos o redes sociales.

Te pareces tanto a mí, se busca en la memoria a la vez que se permite provocar al futuro retándolo con una eterna permanencia y una emotividad colectiva, y a paso que no es breve transforma la cotidianidad en asombrosa maestría de vida, de recuerdo, de arte.

Por Carlos Alberto Ruiz

Fabrica la Aurora

Una esencia ambiental resuelta a base de apaciguados paisajes, además de un aire multicultural que se hace evidente al transitar sus calles, pueden ser las razones por las que a lo largo de su historia más contemporánea, San Miguel de Allende, se ha convertido en refugio creativo de buen número de artistas plásticos, ubicándolo como uno de los espacios privilegiados para la proliferación de galerías.

De este modo, el paso por las pequeñas calles de San Miguel puede convertirse en un camino de paradas continuas, cuyas pausas van definiéndose por vitrinas atrayentes que invitan al reconocimiento de la obras que son exhibidas. Sin embargo, dentro de esta extensión de propuestas destaca la Fabrica la Aurora Centro de Arte y Diseño, un espacio industrial que data del año 1902 y que hasta 1991 albergó a una de las fabricas textiles más importantes de México, encontrando su nuevo destino en el 2001 al trasformarse en un sitio que alberga galerías, tiendas de mobiliario y objetos decorativos, además de estudios y restaurantes.

De esta manera, la Aurora ofrece un área mágica y cautivadora, que conserva la esencia de su arquitectura original de nave industrial, con decorados en cantera y puertas de hierro forjado que poco han cedido a la instalación de espacios más funcionales para su nueva aplicación de centro de relación y producción artística, tanto de creadores de gran reconocimiento y trayectoria como de noveles.

Así, en ciertos rincones que aún conservan la maquinaria y turbinas, conviven ahora talleres artísticos y sitios perfectos para recibir a un visitante que bien puede encontrar en la Fabrica la Aurora, un paseo de deleite y apreciación, y por qué no, de ambición por hacer propias las obras que se van revelando unas tras otras; y por supuesto en sus cafés tropezará con el lugar oportuno para aterrizar la conversación y debate mientras se disfruta la compañía.

El término de feria de arte permanente es la definición más cercana, aunque no más certera para la Aurora, que sin duda es más allá de eso. Sin embargo, el lanzar la invitación hasta este extraordinario lugar orilla a intentar definir algo que solo en esta fabrica puede ser interpretado y vivido.

Texto e imagen por Carlos Alberto Ruiz

Tanto ha pasado
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Tanto ha pasado, que hoy que regreso aquí, miro con cierta tristeza y reproche la fecha del último post, sin embargo, por otro lado recuerdo todo lo que han significado estas semanas en mi vida, y sin justificación, distingo la compleja transformación de mi nuevo estado a la vez que saboreo este periodo, no de ocio, de una intensa integración mejor dicho.

A la par, este lapso me ha otorgado espacios para la reflexión y el regalo de muchas ideas, que sin evaluaciones de buenas o malas, algunas ya se desprenden hacia su propio camino, y eso me entusiasma, me dice que estoy trabajando. Por otro lado, hubiese jurado que no me encontraba cansado, después de este par de meses eufóricos, este día una siesta de tres horas me robó la tarde, lo sé, entiendo que es un exceso, pero supongo que fue la fatiga que encontró el espacio que necesitaba, y así como me reproché tanto tiempo de sueño a mitad del día, tras la relajación, ya con todo el entusiasmo me pregunto: ¿Ahora qué sigue?

Por Carlos Alberto Ruiz

Delirios de Razón
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Muchas de las transformaciones sociales de nuestro tiempo afianzan su rumbo en las nuevas tecnologías, que de algún modo han venido tornando las prácticas y muestras artísticas adoptando novedosos modos en su producción y exhibición. Estas prácticas, principalmente realizadas por gente joven, se han cristalizado en nuevos estilos de vida donde cabe la interacción social, la manipulación de gadgets, pero sobre todo, el consumo. Irónicamente, acomodándose en este último rubro, el mercado ha desarrollado de una manera más latente su integración con el arte, reuniendo de esta forma estereotipos y formas de vida que constituyen grandes posibilidades de venta. Así, la Ciudad de México viene absorbiendo de un tiempo a la fecha grandes oportunidades de ser anfitriona al recibir en sus salas y museos el trabajo de grandes artistas plásticos de importancia internacional, por supuesto, siendo esto posible en mucho, tras el patrocinio de buen número de marcas que se integran a estos proyectos.

De esta manera, desde el pasado mes de febrero, arribó al museo de San Ildefonso, Delirios de Razón, muestra que viene auspiciada por varios consorcios y engloba 64 trabajos del fotógrafo anglosajón David LaChapelle, capturados entre 1995 y el 2008.

Al constituirse esta amalgama de arte y mercadotecnia, el resultado deviene en una exposición que ha gozado de una extensa promoción, lo que favorece en muchos sentidos. Naturalmente los grandes escaparates abren la curiosidad, de esta forma nos encontramos con salas abarrotadas, que provocan la buena costumbre de una asistencia cada vez más nutrida a las salas de exhibición.

Por otro lado, el contenido aterrizado de Delirios de Razón, materializa una visión de crudeza a través de formas que a primera vista sugieren gran candidez. A partir de escenas que gozan de un gran colorido, LaChapelle estructura una disertación de encuentros que enfrentan una tortuosa moralidad. Sus piezas cobran valía en la favorecedora producción que las respalda, además de ser personificadas por estrellas del rock y del mundo de modelaje, del mismo modo que en ocasiones ciudadanos comunes se integran a las vistas del artista.

La trayectoria de David LaChapelle, ha mantenido un discurso bien afianzado, asintiéndose como una probabilidad de conciencia hacia el reconocimiento de lo atroz. Sus caminos se afianzan en retazos de religiosidad y humanismo, para así, acaso estructurar un escenario capaz de despertar la sensibilidad del espectador. Todo esto, aunado a la extensa experiencia de LaChapelle en la publicidad, en el terreno editorial y el video, abren de expectativas una muestra que obliga visita y se mantendrá en la Ciudad de México hasta el mes de junio.



Texto por Carlos Alberto Ruiz
Imagen: Jesus is my homeboy por David Lachapelle.

Del concepto de libertad
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En el hartazgo del encierro y casi clausura de la ciudad, identifiqué algo revelador para mí, distinguí mi concepto de libertad. Y en él pude encontrar que la libertad la encuentro principalmente al descubrirme transitado por algún sitio.

Ayer, como un relámpago, me llegó un recuerdo en el que aparezco caminando con gran tranquilidad; el sitio y la ciudad es lo de menos, pero en ese vagabundeo solitario reconozco una inmensa sensación de libertad. El clima del momento era muy favorecedor, muy fresco, con el sol dispuesto apara el atardecer; y me miro ahí, andando, con la cabeza en ejercicio de total introspección, con la vista capturando postales de un lugar que desconocía, y a la distancia alcanzo a distinguir aún más la gran libertad que me otorgó ese momento.

Supongo que el enclaustramiento me devolvió esta escena, y al hacerlo, la mente se llena de nostalgia al saberse segura de que tal no fue un invento, al contrario, fue tan real como la vida. A esto, el cuerpo y la conciencia se llenan de desesperación, exigen repetir la experiencia de inmediato, sin embargo, es imposible, las emociones jamás se preparan, su valor está en la espontaneidad, su situación es la sorpresa.

A la par este pensamiento se envuelve con una conversación también del día de ayer, en la que el futuro apareció para retar. Afortunadamente, cuando la complicidad existe el destino regala flexibilidad, e incluso hace creer que cumple caprichos, siempre tras la consideración de que el verdadero y autentico caprichoso es él.

Yo ya quiero ver el futuro y por supuesto quiero más regalos de libertad, quiero llenarme la mente de otros caminos andados, de postales de pasos ensimismados, de charlas solitarias y silencios en compañía. Tengo antojo de calle, y más aún, de libertad.

Texto e imagen por Carlos Alberto Ruiz

De festejo

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Las circunstancias personales son obvias, el festejo muy claro, además, los motivos sobran, pero hoy, por supuesto tenía que escribir. Así, con un panorama extraño y asombroso pasará este día, con un freno y descanso agobiante, sin embargo, éste, el que escribe, es necio, cree en la sorpresa y sabe que a quienes espera ya están ahí.

En otros asuntos, sé que debo mucho, algunos textos no han llegado a este sitio, unos por decidía, otros, porque ni ellos mismo saben que existen ya. Pero los creados sin son una deuda que será saldada, desafortunadamente tendrán que pasar algunos días para que aquí aparezcan dado que se mantienen trágicamente resguardados en mi lugar de trabajo al que espero regresar a la brevedad, ya que vale decir, con la mayor de las sinceridades: la ociosidad agota.

Y esto lleva a otros caminos, al deseo de que todo gire a la normalidad. Urge ver al país de nuevo sano, y más apremia ver la ciudad abierta. Por lo pronto, esta experiencia me permite distinguir la necesidad de movimiento. En la inactividad no encuentro motivos para transformar en palabras.

Pese a todo, se que hoy tendré una tregua, no muy ambiciosa por supuesto, pero sí capaz de regalarme un trozo lleno de bienestar. Y de antemano gracias por los buenos deseos.

Texto por Carlos Alberto Ruiz
Imagen por Ian Shirley

El flautista de Hamelín

Dentro del círculo de la música clásica, el flautista mexicano Horacio Franco constituye una referencia no únicamente nacional, sino de carácter y presencia internacional. A través de su música, Franco ha sabido trastocar la conciencia de un público cada vez más amplio, al mismo tiempo que ha redefinido la trascendencia de su instrumento –la flauta de pico-. En un contexto ortodoxo y anquilosado, el músico ha sido capaz de integrar una propuesta total y cuestionadora por medio de una imagen poco usual en su ámbito, acompañada de la personalidad inquieta y altruista que tanto lo ha caracterizado.

Bajo tales referencias, no asombró el anuncio de que Horacio Franco incursionaría en el teatro, en una puesta en escena obvia, casi natural para su primera irrupción en ese terreno: El flautista de Hamelín. Así fue que, en una brevísima temporada de cinco funciones ocurridas entre el 9 y el 12 de abril, la Compañía Teatralnaya vistió el escenario del Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, integrando a sus filas al genial y virtuoso flautista Horacio Franco.

Basada en una adaptación del trabajo de Josephine Preston Peabody, la presentación contó la historia de Hamelín, un poblado que vive atestado de ratas hasta el día en que un misterioso flautista ofrece acabar con tal plaga a cambio de mil monedas; cerrado el trato, el forastero cumple su parte, sin embargo, la trama cobra fuerza cuando los ciudadanos de Hamelín se niegan a darle paga, ofreciendo a continuación un lío que fue capaz de llevar al espectador a la introspección para identificar las debilidades propias y colectivas.

En este marco destaca la puntual dirección de escena de Mauricio Osorio, quien fue capaz de proyectar una gran sensibilidad al construir un cuadro tan humano de gran universalidad. Vale también subrayar la habilidad de Osorio para montar el juego perfecto, en el que el actor Víctor Kruper interpretó magistralmente al flautista, a la par que Horacio Franco daba vida al alma y talento del flautista creando una dinámica precisa en la que las interpretaciones musicales de Franco construían la par perfecta a las intenciones y destreza actoral de Kruper, regalando al espectador la posibilidad de presenciar un espectáculo tan completo concebido a partir de una gran calidad.

En consecuencia, el gran regalo que resultó ser El flautista de Hamelín, se expresa como un ejercicio ambicioso de interdisciplinariedad que se reconoce con éxito, como una gran oportunidad en el sentido musical para desmitificar la rigidez de lo clásico para permitirle un mayor público; también, representa una victoria para el teatro mexicano, al permitir distinguir a partir de esta propuesta las grandes intenciones y talento de las compañías nacionales, que en el caso de Teatralnaya, demostró de sobra contar con las competencias para adoptar un recinto tan importante y hermoso como lo es el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.

Texto por Carlos Alberto Ruiz
Imagen por Alejandro Barragán

Carlos Sandoval, la transmutación de lo divino.

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La expresión artística, muchas veces nutre sus posibilidades e intenciones de los aparatos sociales, que en este caso funcionan para el artista como oportunidades de riesgo, que en la resolución pueden llegar a conseguir narraciones hiperbólicas de la realidad.

Como consecuencia de esta particularidad, la historia y la práctica han vinculado de una manera muy íntima la producción artística y las bases estructurales de la religión católica, resultando en una relación tan tirante como fructuosa, en las que ambas partes finalmente alcanzan su cometido.

En este sentido, en la actualidad el trabajo de muchos creadores asienta su discurso en esta analogía, donde lo religioso refiere la interpretación del entorno. Un ejemplo de ello es la propuesta pictórica de Carlos Sandoval, quien en su precoz producción ha enfilado sus lienzos hacia un estilo que de forma apresurada va ya construyendo su individualidad.

La irrupción reciente de Sandoval en los círculos de la plástica mexicana, ha venido acompañada de una propuesta capaz de abrir curiosidades. Sus temáticas parafrasean el mundo de la moda a partir de un lazo con la divinidad. De este modo, en su serie Devotos a la Moda, se permite una reinterpretación visual de la icnografía religiosa que a manera de modernización transmuta la imagen de los hombres sagrados para adecuarlos a los cánones de belleza contemporáneos, concediendo de esta forma piezas alborotadoras que hurgan las estabilidades de la sociedades modernas, caso que repite en Virtudes, un grupo de obras cuyo origen se remite al retrato de la contraparte de los pecados capitales.

Visualmente es el retrato, en colores ocres, la base narrativa de de Carlos Sandoval, sin embargo, la presencia de textos en sus cuadros remite a la grafía como un elemento más de forma que de fondo, donde el significante cobra vida más allá de sus significado. Es decir, los mensajes son citas que el autor ha recopilado de publicaciones especializadas en la alta costura, o canciones retomadas como instrumento decorativo y no como arma de validación en su promesa, tal como sucede en su colección Chocolate.

Es así, que la mente de este joven artista mexicano asume sus primeras marchas con cierta seguridad, con la ambición que le ha permitido a ligar su siguiente proyecto con la Leyenda Dorada, el texto que reúne la hagiografía de más de 180 santos, a partir del cual Carlos Sandoval pretende una interpretación visual acorde a los patrones de la actualidad, que ya ha desprendido varios intentos que resuelven muy hábilmente su primera intención.

*Carlos Sandoval, presentará a partir del 25 de marzo su muestra La Leyenda Dorada en Casa Lamm.

Texto por Carlos Alberto Ruiz
Imagen: San Narciso (Serie La Leyenda Dorada), 2009. Acrílico sobre tela, 100 x 100 cm. Carlos Sandoval.

Fragmentos
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Hasta el 18 de enero, el Museo Dolores Olmedo de la Ciudad de México, ofreció una importante muestra del trabajo del escultor michoacano Javier Marín. Bajo el nombre de Fragmentos, en los jardines y habitaciones de la antigua casa de la coleccionista, se instalaron 29 piezas escultóricas y gráficas que dieron cuenta de las visiones e impulsos que han regido el sólido e inconfundible estilo de Marín a lo largo de su trayectoria.

El mensaje de este artista plástico se instala en un sitio que flota entre el erotismo y la agonía, con su trabajo alcanza una reconstrucción de lo humano donde el bronce, la resina, e incluso la incorporación de otros elementos poco habituales como el amaranto o el tabaco, ofrecen una dirección novedosa de la estética.

Fragmentos, seduce con la línea que transforma lo perturbador, que en la búsqueda de ser pronunciado se revela altamente con voz propia. Cada uno de los gestos que destacan los rostros forjados por el artista, subrayan no sólo atributos físicos, articulan incluso, mucha de la sensibilidad de la especie humana, sembrando de esta forma una nueva lingüística de la expresión. Muy evidente en la mirada de sus rostros femeninos y masculinos, que inevitablemente ceden al desconsuelo y desesperanza inundando en diversas formas el pensamiento del espectador.

Los riesgos que encuentra la muestra en lo decorativo y monumental, multiplican las posibilidades de contacto con las obras. El perfume que viste a cada una de las esculturas es por demás evidente, lo cual permite rebasar la experiencia visual, para también atrapar la atención de otros sentidos. Y pese a lo total y demandante de la experiencia, no resulta fácil encontrar respuestas a los cuestionamientos de Marín: ¿Qué tan vasta resulta la corporalidad? ¿Qué percepción y aspecto ocupa el dolor en el infinito?

Aún así, el michoacano todavía se permite confundir más la conciencia de los visitantes incluyendo algunas leyendas en sus esculturas. Sin embargo, al final, las vacilaciones parecieran quedar cerradas, encontrando conclusiones en las son siempre el asombro y la provocación los resultados evidentes de un trabajo revelador.

Texto e imagen por Carlos Alberto Ruiz

Cabeza grande de mujer, 1995. Escultura en bronce 102 x 65 x 98 cms. Javier Marín.

El Buen Canario

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El 2008, constituyó un marco que abrió las salas de teatro a proyectos serios, ambiciosos, de amplio presupuesto, con elencos que pocas ocasiones pueden disfrutarse en los escenarios. Así, tres títulos se distinguieron dentro de las marquesinas de la Ciudad de México: 12 Hombres en Pugna, Pájaro Negro y El Buen Canario; este último, sin duda una atrayente producción que ostentó en sus créditos la dirección escénica de John Malkovich, hecho que por sí mismo abre la curiosidad sumado al sugestivo cuadro actoral integrado por Diego Luna, Daniel Gimenez Cacho, Bruno Bichir, Irene Azuela, entre otros.

Para acercarnos a la trama de El Buen Canario bien vale subrayar a su autor, Zach Helm, el mismo hombre cuya imaginación arrojó el significativo guión cinematográfico de la cinta Stranger than Fiction. Con este dato, se alcanza a distinguir que lo que se presenta en escena apunta hacia situaciones tirantes, emocionales, englobando un mensaje muy particular con respecto a la sociedad moderna del mundo occidental.

El hilo del discurso gira alrededor de la vida del escritor Jack Parker, cuyo éxito repentino resulta tan asombroso, lleno de futuro, que lo único que pareciera ensombrecerlo son las adicciones y desequilibrios padecidos por Annie, su mujer.

De este modo, en su transcurso, El Buen Canario da tiempo para los afectos, la furia, y la trasmutación psíquica. Por supuesto, todo representado con la mayor habilidad, exhibiendo lo aventajado que resulta Malkovich al explotar el carácter y la habilidad actoral de la que son capaces sus ejecutantes, que más allá de la fama acumulada a lo largo de sus trayectorias individuales, dan cuenta de un talento destacado, insistiendo de modo muy personal, en la participación de Daniel Gimenez Cacho, un hombre al que bien le viste su papel de Charlie, un editor literario visionario, dotado de un acido sentido del humor.

A la par, el trabajo de producción también se distingue, integrando decorados audaces que se solventan de proyecciones que otorgan al escenario de un encanto muy particular que lo asemeja más a una instalación de arte contemporáneo. En este sentido, el clima emotivo y físico que regalan cada uno de los actos logra envolver con gran impacto.

Sería de pésimo gusto puntualizar los momentos que componen la obra, sin embargo, sí puede referirse la experiencia particular a la que mueven sus diálogos, compartiendo la intensidad y nostalgia con la que se camina por la historia, que al final, deja la sensación de avidez por mirar en este 2009 la cartelera invadida de trabajos igual de capaces.

Por Carlos Alberto Ruiz

Día final del 2008

Cuando mucho hay por agradecer las voces y las emociones se aglutinan intentando escapar para encontrarse con el destino que las provocó; las intenciones de gratitud se abren para manifestarse no dejando escapar aquello que se reconoce. Personalmente desconozco el balance de mis actos, prefiero ignorar la balanza de lo bueno y lo malo, sin embargo, hoy si alcanzo a distinguir un gran motivo por agradecer mi vida en este tiempo y espacio.

Pues, sirva esta brevedad y mensaje para esperar la mejor de las cotidianidades para el 2009, por supuesto, con la compañía y oportunidad para compartirla, deseando que la felicidad los alcance a todos. Gracias por visitar este espacio.


Por Carlos Alberto Ruiz

Virsky, el espíritu de Ucrania.

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Tras una gran demora que no la justifica nada, abro el espacio para comentar un gran espectáculo dancístico que se presentó durante el último fin de semana de noviembre en la Ciudad de México, se trata de Virsky, a cargo de la Compañía Nacional de Danza Ucraniana. El número, compuesto por quince piezas, recoge una mezcla de danzas tradicionales combinadas con ciertos aspectos del ballet clásico, a los que se incorpora la magia y acrobacias de más de cien bailarines en el escenario engalanados con un vestuario de más de tres mil piezas típicas.

Acompañado por una estupenda orquesta, Virsky ofrece grandes postales multicolores de las regiones ucranianas, que por sí mismas entregan amplias miradas hacia lo más íntimo de su sociedad y sus prácticas. Las danzas, en gran parte resueltas con giros, piruetas y mucha acrobacia, son capaces de alcanzar una armonía y uniformidad que entrega abanicos coloridos en escena, ostentando una sincronía perfecta.

A la distancia, aún me provoca inquietud el recuerdo de la ejecución de Povzunets, una danza cómica típica de los Cosacos, que en pocas líneas puede definirse como un derroche de habilidades y precisión técnica absoluta aderezada con voces de entusiasmo. Es extraño, pero tal júbilo que integran los bailes ucranianos, conforman un elemento mágico, difícil de pasar por alto, además de adictivo y contagioso. Sin embargo, la delicadeza también encuentra su sitio en este espectáculo, muestra de ello es Los Diseños de Volynsk, acto conformado por un grupo femenino, que ataviado con trajes majestosos interpreta un pomposo modelo de movimientos delicados a la vez de conmovedores.

A diferencia de lo que sucede en un concierto, en la danza no es común la aparición del encore al terminar la muestra, pero muy afortunadamente, la Compañía Nacional de Danza Ucraniana se lo permitió y de qué manera. Al cierre, tras los aplausos, rebozos y sombreros de charro llegaron al escenario, al tiempo que los bailarines ejecutaban el jarabe tapatío mientras un poco nutrido público en el Auditoria Nacional de la Ciudad de México se estremecía de euforia y agradecimiento por tan hermoso regalo. El mirar a los integrantes de Virsky ejecutando el baile jalisciense, aumenta la admiración que ya desde siempre es grande por las danzas nacionales, mas la insospechada posibilidad de que aquello sucediera fue capaz de entregarnos a una asombrosa vulnerabilidad.

Y ya en un camino todavía más personal, cabe otra revelación, la calidad de la compañía con la que compartí tal experiencia. Hacia tiempo que mi asistencia a la danza venia dándose en circunstancias distintas, pero esta vez, tuve el privilegio de la complicidad, lo cual engrandece la experiencia dado que permite la connivencia y la promesa de charlas infinitas, ofreciendo la posibilidad de traer de vuelta los impresionantes saltos ucranianos para comentarlos una y otra vez con la oportunidad de regresar a la exaltación para encontrar en la mirada del otro el entusiasmo propio.

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Por Carlos Alberto Ruiz

Octubre

Comúnmente, los actos y experiencias se acumulan de algún modo delineando la personalidad, definiendo en gran medida nuestra percepción del futuro y del presente. Así, los éxitos abren la ventana del optimismo en la medida que el fracaso inunda de temor y orilla al aislamiento. Sin embargo, la vida exige nuestra integración y acción, siendo éste el único modo que permite saltar de un estado a otro.

Desde un principio, el tema de la transformación ha sido una constante en los textos que aquí se han compartido, y la explicación más lógica que encuentro al respecto apunta hacia cierta debilidad por lo novedoso y la necesidad de integrarme a entornos distintos que me acojan y me exijan.

De tal modo, el cambio de octubre es medular, dado que viene a otorgar sentido a la vez que promete resolver dudas que insistían desde el pasado, e incluso, salda muchos aspectos de innecesaria individualidad.

Al respecto, las expectativas se abren y se alcanza a identificar el pasado propio como una vida fragmentada que no se llega reconocer por completo, señalando hacia un sitio donde los riesgos reconstruyen el significado de la vida y redireccionan las peticiones que se le habían hecho al destino.

Finalmente, las experiencias nos convierten en individuos más ambiciosos, de indagaciones inalcanzables y caprichosas, sin embargo, cuando lo buscado existe, y no sólo eso, se revela frente a nosotros, la emoción arrebata con gran avidez por sentir y ser sentidos, las manos se llenan de fuerza para empapar de poesía los muros y la vida se alista para saltar a su precipicio. Es ahí, cuando llega el tiempo donde los ciclos se cumplen y las posibilidades aparecen.


Por Carlos Alberto Ruiz